lunes, 2 de mayo de 2011

NEOEXPRESIONISMO:
Este movimiento surge en Alemania y Estados Unidos a finales de los años sesenta y principio de los setenta, pero adquiere su consolidación en la década posterior. Es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
El neoexpresionismo se inspira en el expresionismo alemán y sus exponentes, Emil Nolde, Max Beckmann, George Grosz, además de otros artistas con estilo altamente emotivo como James Ensor y Edvard Munch; igualmente se nutren del arte tradicional, especialmente el germánico: Durero, Bruegel, El Bosco, Rembrandt. De todas formas, al contrario que la transvanguardia italiana, los neoexpresionistas no rompen con el arte de su país inmediatamente anterior a ellos, aceptando como maestro al gran artista alemán de los setenta, Joseph Beuys.
El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.
En Estados Unidos, específicamente en Nueva York, se difundió con gran éxito la obra de los neoexpresionistas alemanes, ejerciendo una gran influencia sobre los artistas neoyorquinos, los cuales retoman este estilo; sin embargo, en los Estados Unidos los artistas desarrollan planteamientos estéticos muy diferentes unos de otros, creando una obra menos homogénea que la alemana.
Entre los artistas norteamericanos destacan Basquiat y Haring, que combinaban la agresividad con el humor y la ironía. Utilizaban generalmente colores básicos muy saturados, formando manchas planas o, en el caso de Haring, líneas y contornos muy definidos.
Aunque fue un movimiento de corta duración, éste gozó de una gran popularidad en su momento, en parte gracias a la fuerte promoción que recibió por parte de gente importante dentro del medio artístico de la época.

Georg Baselitz: biografia del autor
 (nacido el 23 de enero de 1938) es un pintor alemán que estudió en la anterior Alemania del Este, antes de trasladarse a lo que entonces era la República Federal de Alemania. El estilo de Baselitz se interpreta por los estadounidenses como neoexpresionista, pero desde una perspectiva europea, se considera más bien posmoderno.
Su carrera comenzó de manera meteórica en los años sesenta después de que la policía actuara contra una de sus pinturas, un autorretrato (Die große Nacht im Eimer) que representaba a un chico menor masturbándose.
Baselitz es uno de los artistas vivos superventas. Es profesor en la renombrada Hochschule der Künste en Berlín.
Su padre era maestro de escuela elemental y la familia vivía en la escuela local. Baselitz conoció el arte por vez primera en álbumes de dibujos a lápiz del siglo XIX en la biblioteca de la escuela. También ayudó al fotógrafo natural Helmut Drechsler en ocasionales toma de fotografías ornitológicas.

Obra del autor:
Comedor de naranjas


Practica ya una pintura que, de alguna manera, ajusta cuentas con el pasado reciente de su país y conecta con el expresionismo alemán anterior a la llegada de los nazis al poder. Desde este punto de vista, gran parte de su producción podría enmarcarse en un neoexpresionismo que muestra interés por temas diversos: personajes grotescos, antihéroes, composiciones de contenido sexual o escenas desgarradoras pueblan sus obras. A mediados de los años 60 Baselitz introduce una curiosa novedad en sus cuadros: matiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Como afirmaba el propio pintor: "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resulta­do de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura". 


Fuentes de información:
http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo
http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=7915&Itemid=8
HIPERREALISMO:
-Surge en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX.
- Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el Hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El Hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.
-El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett o John Haberle. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
En la década de los 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.
-Los fotorrealistas nunca se constituyeron en grupo, pero sí hicieron exposiciones que los presentaron como un estilo: La Imagen fotográfica y 22 Realistas, ambas en Nueva York, a mediados de los años sesenta. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Sin embargo, artistas como Chuck Close, Malcolm Morley o Richard Estes, desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos.
-Como podemos ver la técnica utilizada es la cámara fotográfica como elemento para obtener lo que se va a representar sobre todo en la reproducción de retratos ya que el tiempo de exposición seña muy prolongado.
- Como todos los fotorrealistas, no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia
- Y por ultimo con respecto a la escultura hiperrealista americana hay que destacar a Duane Hanson, que reproduce a tamaño natural personajes sacados de las clases trabajadoras, y a Segal que emplea la misma técnica que Hanson: vaciado de yeso de los modelos, relleno de los moldes con fibra de vidrio y poliéster, ensamblaje de las partes y pintado en color carne; la pieza se termina vistiéndola con ropas usadas. John de Andrea esculpe desnudos de un hiperrealismo tan acusado que parecen personas reales, al igual que Nancy Graves hace con sus esculturas de camellos.

Duan Hanson (17 ene 1925 – 6 ene 1996): biografía del autor
De padres inmigrantes suecos Dewey O. Hanson y Agnes Nelson Hanson, granjeros en Alexadria, Minnesota.
La exposición denominada Esculturas del Sueño Americano intenta captar la esencia de la realidad que lo rodea. En su mayoría, el autor, representa gente mayor, trabajadores y de proporciones aumentadas, todos con sus arrugas, surcos y cicatrices que hablan de la experiencia de cada uno. Explora las historias escritas en el cuerpo.
Sus esculturas eran moldeadas en varios materiales, incluyendo resina de poliéster, fibra de vidrio y Bondo. Sus últimos trabajos de mediados de los ochenta fueron moldeados en bronce. La mayoría de las esculturas son elaboradas directamente en moldes tridimensionales, una técnica conocida como fundición viva. La superficie del molde es cuidadosamente pintada en tonos color piel; agregaba la ropa, joyas y otros objetos logrando un “Trompe l’oeil” o hiperrealista.

Obra del autor: “Flea Market Vendor” (1990)Esta obra retrata con lujo de detalles la clase media norteamericana. La escultura esta realizada a tamaño real, con una mezcla de resina y fibra de vidrio, y pintada a mano.
Las puestas de ropa y demás accesorios de la puesta en escena son auténticos.

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Fuentes de informacion:
http://www.artelista.com/hiperrealismo.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo




domingo, 1 de mayo de 2011

ARTE OPTICO:  Es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art. El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica. Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.
El Op-Art se caracteriza por varios aspectos:
La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético.
Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.
Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.
En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.
Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.
El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.
Algunos teóricos han interpretado el nacimiento del Op Art como una reacción contra el expresionismo abstracto, el estilo dominante en la pintura estadounidense desde la década de los 50. El nuevo estilo era ligero y desenfadado, y se desmarcaba de solemnidad espiritual de un Mark Rothko o un Pollock. Como pionero de esta frivolización del arte, el Op Art también preludiaría la llegada del "arte de broma": el Pop.
Víctor Vasarely: biografía del autor
 Fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art. Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malevich y se interesó por la astronomía.
Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op Art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).
Obra del autor:
El op Art es parecido al arte cinético en el aspecto que son artes ópticos los dos, solo que el op Art como lo dice su nombre solo se enfoca en eso, sus obras principalmente están creadas de figuras geométricas en blanco y negro. Estas tienen imágenes ocultas y diferentes composiciones. Generalmente son dificiles de entender y te marean bastante.

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Fuentes de información:
ARTE POP:
Es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones. Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaísmo. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray.
El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos. Con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard Edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos»  y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.
La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen
Fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic Books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas y Ambiciosas, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
Kurt Schwitters: biografía del autor
Cursó estudios de arte en las Academias de Dresde y Berlín. A través de la revista Der Sturm entró en contacto con la vanguardia alemana, en concreto con el expresionismo, a través del cual llegó a la definición de su propio estilo.
Éste comenzó a tomar forma en torno a 1920, cuando realizó sus primeros collages a partir de pequeños fragmentos de madera, recortes de periódico, billetes de tranvía y otros materiales de «desecho», que se transfiguraban en sus obras mediante la incorporación del color o la adición de palabras o frases. A estas creaciones el artista las denominó Merz, por el fragmento de la palabra Kommerz que aparecía en un recorte de periódico incluido en uno de sus collages del comienzo. Schwitters estuvo en contacto con algunos de los grandes creadores de su tiempo, L. Moholy-Nagy entre otros, y participó en los movimientos artísticos más innovadores, por ejemplo, Abstraction-Creation. En 1937 emigró a Noruega, y al ser invadido este país por Alemania en 1940, se trasladó al Reino Unido, donde residió hasta su muerte. Su incorporación a la obra de arte de materiales sin valor sirvió de referente, después de la Segunda Guerra Mundial, a muchos de los movimientos artísticos que se difundieron por entonces, desde el informalismo al pop Art.
Obra del autor:
La obra Merzbild Kijkduin, fue realizada en 1923 en Holanda durante el “tour dada” que hizo junto a Theo van Doesburg, Petro van Doesburg y Vilmos Huszár, en los primeros   meses de 1923. Schwitters trataba de conciliar sus "Merz", con la influencia ejercida sobre su obra por las nuevas corrientes constructivistas. A través de sus collages y assemblages "Merz” quería lograr una síntesis artística, un nuevo orden estético de pura abstracción, alcanzando un equilibrio perfecto entre el espíritu caótico de los objetos encontrados inservibles, propio del movimiento dadá, y la ordenación geométrica de esos objetos.
Medidas: 74,3 x 60,3 cm

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Fuentes de informacion:


http://www.google.com.ar/search?um=1&hl=es&biw=1003&bih=592&site=search&tbm=isch&sa=1&q=Merzbild+Kijkduin&aq=f&aqi=&aql=&oq=
http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/schwitters.htm





SURREALISMO: Douchamp, Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Marc Chagall y Paúl Delvaux

- El Surrealismo o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Bretón. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.
- La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias (drama surrealista), en junio de 1917, para referirse a la reproducción creativa de un objeto, que lo transforma y enriquece. Como escribe Apollinaire en el prefacio al drama:
Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna. Del mismo modo ha creado, inconscientemente, el surrealismo... Después de todo, el escenario no se parece a la vida que representa más que una rueda a una pierna.
- El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.

Salvador Dalí:
biografía del autor
Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, más conocido como Salvador Dalí, 1° Marqués de Dalí de Púbol (Figueras, España, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989), fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante[. ][]Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.
Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística.[] Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo»,[] que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

Obra del autor:
La persistencia de la memoria, conocido también como Los relojes blandos

Imagen:

En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al amanecer. El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados, elementos que ya habían aparecido en una obra suya del año anterior, Osificación prematura de una estación. Dalí, según él mismo dice, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad de "tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. La cara aparece también en otros cuadros del autor como El gran masturbador y El enigma del deseo. El tercer reloj blando está, quizás, a punto de deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de bolsillo, situado sobre el muro, hay multitud de hormigas que no están ahí por casualidad.

Fuentes de información:
 http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD
http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo
http://es.wikipedia.org/wiki/La_persistencia_de_la_memoria
-El movimiento dadaísta se desarrollo en Europa y los Estados Unidos en la segunda década del siglo XX. Nace de un deseo de independencia; no reconoce otras teorías. Durante una reunión en Suiza, en 1916, un grupo de jóvenes intelectuales exiliados e inconformistas, contrarios a la Primera Guerra Mundial decidieron construir un movimiento artístico y literario completamente subversivo. Tras la Primera Guerra Mundial el movimiento se extendió hacia Alemania y muchos de los integrantes del grupo de Surich se unieron a los Dadaístas Franceses en Paris.
-Se caracterizaba por su negación del arte, su intención rupturistas e innovadora, su interés por promover escándalos, normas, y su defensa de lo irracional. Propugna la libertad del individuo, la espontaneidad y la destrucción. Tiene como fin el expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos de los movimientos. Buscaba dejar impactado al público y causar controversias.
-Se utilizo el fotomontaje (combinación de textos, imágenes y fotografías recortadas), y el titulo de montador se empleo mas que el de artista. Se utilizaron dibujos grabados en maderas y acuarelas, los materiales fueron los desechos encontrados en la calle. Técnicas: lienzo al óleo, tapiz, collage, lienzo a la esencia.
-Los autores del dadaísmo fueron: Hans Arp, Hams Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Touber, Marcel Duchamp.
- Dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle
lógica. Se distingue por: la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y la constante negación. Así, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables lo cual conlleva a una tónica general de rebeldía o destrucción.
El Dada es caracterizado, también, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando, de esta forma, un antiarte. Sus orígenes se localizan cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en Zurich durante la Primera Guerra Mundial.

Christian Schad: biografía del autor
 (21 de agosto de 1894 en Miesbach, Oberbayern - 25 de febrero de 1982) fue un pintor alemán relacionado con el movimiento de la Nueva objetividad.
Schad estudió en la academia de arte de Munich. En 1915, para evitar servir en la Primera guerra mundial, huyó a Suiza donde participó en el movimiento dadaísta. A partir de 1918, Schad desarrolló su propia versión del fotograma (imagen fotográfica obtenida colocando objetos sobre una superficie sensible y exponiéndolos directamente a la luz); Schad llamó a sus fotogramas «schadografías», en los que se imprimía una silueta sobre papel sensible a la luz. En 1920, pasó un año en Roma y Nápoles. En esta época desarrolló su amistad con el escritor y dadaísta Walter Serner. En 1925, emigró a Viena. Sus pinturas de este periodo están asociadas al movimiento de la Nueva objetividad. A finales de los años veinte, regresó a Berlín, donde se estableció. Aunque muchos consideran que él debió horrorizarse por el nazismo, lo cierto es que su arte no resultó condenado de la misma manera que el resto de artistas de la Nueva objetividad como Otto Dix, George Grosz, y Max Beckmann.

Obra
del autor:
 
Se pueden ver en el óleo reflejadas algunas características que hacen especial esta obra: por un lado la mirada escéptica del personaje que aparece en primer plano, una mirada dirigida al espectador y a la vez a sus pensamientos más íntimos. Por otro, la camisola verde transparente que deja al descubierto su desnudez y que nos recuerda las túnicas del florentino Pontormo. Se nos oculta y se nos revela al mismo tiempo creando una tensión que contrasta con el tono de piel del personaje femenino. El hombre está sentado en el borde la cama mientras que la mujer continúa tumbada en la cama apoyada sobre unos almohadones. Desnuda con elegancia sólo muestra como única vestimenta, dos accesorios, a saber, la media roja que queda interrumpida por el borde del cuadro y un lazo negro en su mano izquierda. Su sexo queda protegido del espectador por el torso del hombre aunque su dedo índice nos indique la dirección del camino que debemos tomar.
Aunque sus pezones continúen en cierta medida erectos, no hay nada que nos empuje a pensar en la pasión. Ni tan siquiera en ningún grado de intimidad. Que han practicado sexo no lo dudamos: cuerpos desnudos y sábanas revueltas, incluso la orquídea nos ofrece la pista sobre la sexual situación, sin embargo existe una fría distancia que convierte el acto en una demostración aséptica y esterilizada, casi animal con la ciudad como único testigo.

Fuentes de información:
http://es.wikipedia.org/wiki/Christian_Schad
http://es.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmohttp://vailima.blogia.com/2006/091901-christian-schad-la-nueva-objetividad.php



CUBISMO: Pablo Picasso , Georges Braque y Juan GrisFue un movimiento revolucionario que se trata de una revolución dentro del sistema que, en definitiva pretende consolidar y generalizar.
-Fue encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.
-Surgió en Francia en 1907 hasta 1914.
-En la temática utilizada desaparece la perspectiva tradicional, trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas fragmentando líneas y superficies.
• Se representan todas las partes de un objeto en un mismo.
-La técnica que se utiliza es la geometrización y la descomposición de las formas.
• También el collage.
• Se utilizan los tonos pictóricos apagados como los grises, verdes y marrones.

El cubismo es un arte creado, es un nuevo lenguaje y una nueva estética, un replanteamiento integral de la pintura y las artes plásticas. Hasta el momento, ni los más radicales fovistas se habían atrevido a romper con el lenguaje convencional y sensitivo que representaba, en mayor o menor grado, la naturaleza, desde los tiempos griegos. Pero el cubismo rompe con todo eso; es un arte mental no sólo en las formas sino en la concepción de la obra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Hará un replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, de la luz, la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige del espectador un esfuerzo mental para reconstruir la figura, que no se observa a simple vista. En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente.

 El cubismo se pregunta, también, por los problemas del volumen y del espacio. Su ruptura con la tradición renacentista e impresionista es total, y busca un nuevo espacio pictórico para sus formas. Una de las características del cubismo es su representación en blanco y negro, consecuencia de su desvinculación con la naturaleza e influido por la fotografía, para facilitar la lectura del cuadro. El cubismo se preocupa por la representación del movimiento y por lo tanto del tiempo: de la cuarta dimensión. El tiempo cobra un nuevo significado tras la teoría de la relatividad de Einstein. El cuadro cubista pretende representar, al mismo tiempo, todas las formas posibles de ver una figura, esto implica que el espectador está obligado a mover los ojos para recomponer la figura. El color ceniza, el blanco y el negro, ayudan a la reconstrucción del cuadro. La cuarta dimensión está en la mente humana, vemos el mundo con movimiento, con el paso del tiempo, y eso es lo que pretende captar el cuadro cubista.

Etapas del Cubismo
Se distinguen diversas fases en el desarrollo del Cubismo.
Cubismo Analítico
caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión. Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La fábrica de Horta de Ebro.
Cubismo Sintético:
Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.
Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen global.
Pablo Picasso:
Pablo Ruiz Picasso conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso» (según su certificado de nacimiento) o «Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso» (según su partida de bautismo), fue el primer hijo de José Ruiz Blasco y María Picasso López. Nació el 25 de octubre de 1881 en
Málaga, España, en el seno de una familia pequeñoburguesa. Picasso tuvo dos hermanas, Dolores (1884-1958) y Concepción (1887-1895).
De su padre se sabe que quiso ser pintor y fue profesor de dibujo en la escuela de Málaga llamada San Telmo.  De la madre se conoce poco; al parecer era de una personalidad más fuerte que la de su marido, y Picasso tuvo siempre hacia ella mayor respeto y ternura, lo que algunos creen ver en el retrato que le dibujó en 1923.
Picasso empezó a pintar desde edad temprana. En 1889, a los ocho años, tras una corrida de toros y bajo la dirección de su padre pintó El pequeño picador, su primera pintura al óleo, de la que siempre se negó a separarse.
En 1891, la familia abandonó Málaga, cuando el padre fue nombrado profesor en el Instituto de La Coruña. Allí, Pablo trabajó en sus dibujos y mostró una fuerte confianza en sí y en sus dotes; tenía diez años. Sus primeros trabajos, de un realismo vigoroso y casi feroz, mostraban una temprana predilección por los personajes populares.


Una de sus mágicas obras fue:
Fábrica de Horta de Ebro.
539 × 450. Pintada por Picasso.
En Orta de Sant Joan pintó la montaña de Santa Bárbara y un lienzo titulado “La fábrica de Horta”, imaginaria, como las palmeras que la adornan, que fue adquirida, en París, por Gertrude Stein. Tanto estos como “Casas en la colina” y “El pantano”, en estilo cubista. También realizó numerosas “cabezas” de su amante, Fernande, quien al parecer no se sintió muy complacida por ellas.
A pesar de los pequeños contratiempos, Picasso volvió feliz de Orta y muy satisfecho del trabajo realizado, pues significaba la superación de las etapas “azul” y “rosa” y el comienzo del cubismo.
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Fuentes de información: