NEOIMPRESIONISMO:

Neo-impresionismo es una palabra creada por el crítico de arte francés Félix Fénéon en 1887 para caracterizar el movimiento artístico de fines del siglo XIX liderado por Georges Seurat y Paúl Signac, quienes primero exhibieron sus trabajos en 1884 en la muestra de la Société des Artistas Indépendants en París. El término de Fénéon señalaba que las raíces de estos desarrollos se situaban en las artes visuales del Impresionismo, pero se ofrecía, a su vez, una nueva lectura del color y la línea en la práctica de Seurat y Signac, y el trasfondo teórico de los escritos de Chevreul y Charles Blanc.

Tal como los impresionistas usan en su paleta colores puros, pero bajo ningún concepto admiten una mezcla en la paleta, salvo la mezcla de colores vecinos en el círculo, estos, matizados entre sí, y aclarados con el blanco, engendra la multiplicidad de los colores del prisma y todas sus graduaciones. Merced al empleo de trazos aislados de pincel -cuyo tamaño mantiene una correcta proporción con el tamaño de todo el cuadro-, los colores se mezclan en el ojo del espectador, si éste se coloca a la debida distancia. No hay otro medio para detener satisfactoriamente el juego y el choque de elementos contrastantes: la justa cantidad de rojo, por ejemplo, que se encuentra en la sombra de un verde, o el efecto de una luz naranja sobre un color local azul o bien, a la inversa, el de una sombra azul sobre un color local anaranjado. Si estos elementos se combinan de otra manera, y no por mezcla óptica, lo que se obtiene es un color sucio.

El objeto de la descomposición de los colores es conferir al color el mayor esplendor posible, crear en el ojo -mediante la mezcla de las partículas de color yuxtapuestas- una luz coloreada, el brillo de la luz y los colores de la naturaleza. De esta fuente de toda belleza, tornamos nosotros las partes fundamentales de nuestras obras, pero el artista debe seleccionar esos elementos. Un cuadro de líneas, y colores, compuesto por un artista genuino, representa una plasmación más mediata que la copia de la naturaleza tal y como nos la ofrece la casualidad. la técnica de descomposición de los colores asegura precisamente a la otra, una armonía cabal -divina proportione-, merced a la correcta distribución y exacto equilibrio de aquellos elementos, y según las reglas del efecto de contraste, gradación e irradiación. Los neoimpresionistas aplican estas reglas -que los impresionistas solo observaron aquí y allá y por instinto- en la forma más constante y estricta. Los neoimpresionistas no atribuyen importancia a la forma de la pincelada, puesto que no les sirve como medio expresivo del modelado, del sentimiento o de la imitación de la forma de un objeto. Para ellos, la pincelada no es más que una de las innumerables partes que, en conjunto, componen el cuadro; un elemento que desempeña el mismo papel que la nota en una sinfonía. Sensaciones tristes o jubilosas, estados de ánimo apacible o agitado no se expresan ya a través del virtuosismo de la pincelada, sino mediante la correlación de líneas, colores y tonos. El arte de los coloristas está evidentemente asociado, en cierto sentido, tanto con la matemática como con la música. Frente a una tela todavía intacta, el pintor debería determinar ante todo cuáles son los efectos de líneas y superficies que la cruzan, cuáles los colores y tonos que deberían cubrirla. La descomposición de los colores es un sistema que busca armonía, es más una estética que una técnica.

Los cuadros neoimpresionistas no son estudios ni cuadros de caballete: son ejemplos de un arte de gran despliegue decorativo, que sacrifica la anécdota a la línea, el análisis a la síntesis, lo fugaz a lo perdurable, y confiere a la naturaleza -tan hastiada ya de que se la reproduzca en forma dudosa- una verdad intangible"

Autor: Seurat nació en París, Francia. A pesar del humilde trabajo de su padre, que era alguacil, su familia poseía una serie de tierras que generaban unos buenos ingresos. Su padre era nativo de Champaña y su madre era parisina. En 1875 Seurat ingresa en la escuela municipal de dibujo, en la clase del escultor Justin Lequien. Aquí conoce a Edmond Aman-Jean, con el que mantuvo una estrecha amistad toda su vida. En 1878, gracias a Edmond, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de París, donde estudiará hasta 1879. A pesar de su buena voluntad, Georges no destaca por su talento artístico, obteniendo unos resultados mediocres. Durante los siguientes dos años se dedicó a perfeccionar el arte del dibujo en blanco y negro y las propiedades físicas de la luz. Su precaria situación económica le obliga a tener que recurrir a la venta de sus cuadros pero sin necesidad de adaptarse al gusto de sus clientes. Durante 1883 inició su primer gran obra, un enorme lienzo titulado Un baño en Asnieres que en 1886 fue vendido al Louvre. Después que su pintura fuera rechazada por el Salón de París, Seurat se negó a presentarla en establecimientos como el Salón, aliándose con los artistas independientes de París. Allí conoció y estableció una amistad con su compañero artista Paúl Signac. Seurat compartió sus nuevas ideas acerca del puntillismo con Signac, quien posteriormente pintó con la misma técnica. En el verano de 1884 Seurat comenzó la creación de su obra maestra "Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte", que le llevó dos años completar. Su cuadro se expone en 1886 junto a otras obras de pintores de su grupo. Con este cuadro nace el término puntillismo, o técnica de la mezcla óptica de los colores.



Obra mas conocida de Seurat:
Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte es un cuadro del pintor neoimpresionista francés Georges Seurat, ejemplo de puntillismo considerado por muchos una de las pinturas más relevantes del Siglo XIX. Para este cuadro Seurat empleó el nuevo pigmento "Amarillo de zinc", más visible en las zonas amarillas iluminadas, pero también en combinación con naranjas y azules. Luego de completada la pintura, el amarillo de zinc se oscureció paulatinamente hasta tonos de marrón, defecto que se apreció ya en vida de Seurat, se utilizan mucho los colores naranja y morado, el aspecto es seco, las personas yacen rígidas en la parte frontal lo que le resta naturalidad, los animales y los niños dan la impresión de familiaridad a pesar de ser un sitio público, es un espacio seguro, la pintura esta abigarrada de gente, se ve el esfuerzo por recrear en la abundancia, el logro está en la variedad de posiciones y actividades dentro del campo, consigue su cometido, plasmar la comunión de una tarde de descanso. Sobresale la belleza del río, el brillo de los árboles y la luminosidad sobre el jardín. El cromatismo de las ropas es lo que desentona.






FUENTES DE INFORMACION:

http://es.wikipedia.org/wiki/Neoimpresionismo

http://es.wikipedia.org/wiki/Georges_Pierre_Seurat

http://nenufaresefervescentes.blogspot.com/2011/02/tarde-de-domingo-en-la-isla-de-la.html

IMPRESIONISMO:
Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como la música y la literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz  y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.

Aunque la teoría gestáltica apareció más adelante, los pintores impresionistas mostraron plásticamente lo que la psicología de la Gestalt vendría a demostrar psicológica y científicamente más adelante: perceptivamente, si se dan ciertas condiciones, partes inconexas dan lugar a un todo unitario. El uso de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en conjunto —al ser percibidas global y unitariamente— adquirían la unidad necesaria para percibir un todo definido. Este recurso fue llevado al máximo por los neoimpresionistas, también conocidos como puntillistas como Seurat o Signac.

Características del impresionismo:
El grupo reivindica una pintura al aire libre, lo que les lleva a pintar paisajes del natural con tonos claros y luminosos. Se proponen dar, de la forma más inmediata y con una técnica rápida y sin retoques, la impresión luminosa y la transparencia de la atmósfera y del agua con puras notas cromáticas, independientemente de toda gradación de claroscuro. Los protagonistas de sus cuadros son, casi siempre, los árboles, las nubes, bañistas, veleros, trigales, las carreras de caballos o el gesto ágil de unas bailarinas. Para ellos no hay temas insignificantes, sino cuadros bien o mal resueltos.

La luz (y sus efectos cambiantes) es, de hecho, el tema de sus cuadros. Afirman que los objetos sólo se ven en la medida en que la luz incide sobre ellos. Practican un realismo absoluto y por ello suprimen el color negro (que no existe en la naturaleza y que es la negación de la luz). Sólo es real la relación aire-luz: por ello los personajes se diluyen en la atmósfera luminosa que les rodea. Utilizan una paleta de colores claros y puros, en la que no existen contrastes agudos de claros y oscuros.

Su técnica es de toque, ligera y pincelada corta, evitando el contraste entre la figura y su fondo. Usan puntos de color para reproducir la atmósfera vibrante o el movimiento del agua. Aplican los descubrimientos de Rood y Chevreul en sus obras: existen tres colores primarios (amarillo, rojo, azul) y tres complementarios (violeta, verde, naranja); asociados los colores primarios dan el complementario del tercero. Pero los colores no tienen que mezclarse en la paleta, sino que es el ojo humano el que los fusiona.

Autores: Se considera que el impresionismo nació con la unión de Monet y Renoir, quienes entre 1869 y 1874 trabajaron juntos a orillas del Sena, decididos a acabar con todas las reglas de taller (perspectiva, composición, claroscuro), y a encontrar una pintura que proporcionara la impresión visual en su inmediatez. Renoir fue, no obstante, el primero en desertar del grupo y buscar el éxito en los salones oficiales.
 
MONET: Claude Monet (14 de noviembre de 1840 en París - 5 de diciembre de 1926 en Giverny,fue un pintor francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se le adjudica el estilo impresionista. Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de un estilo realista. Monet logró exponer algunas de estas obras en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Un ejemplo de este período creativo es la vista del puerto de El Havre titulada Impresión, sol naciente, que le dio nombre al movimiento. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica. En la década de 1870 tomó parte en exposiciones de arte impresionista en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su carrera fue impulsada por el mercader de arte Paúl Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de la "serie" en las que un motivo es pintado con distintos grados de iluminación. Al mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego utilizó como motivo para sus pinturas.

Obra de Monet:
Impresión, sol naciente es un cuadro del pintor francés Claude Monet, que dio su nombre al movimiento impresionista.

Fechado en 1872, aunque pintado más probablemente en 1873, su motivo es el puerto de Le Havre en Francia, usando muy pocos toques de pincel que sugieren en vez de delinear. Monet explicó posteriormente el título:

"El paisaje no es otra cosa que una impresión, una impresión instantánea, de ahí el título, una impresión que me dio. He reproducido una impresión en le Havre, desde mi ventana, sol en la niebla y unas pocas siluetas de botes destacándose en el fondo... me preguntaron por un título para el catálogo, no podía realmente ser una vista de Le Havrem y dije "pongan impresión"
Monet pintó el sol casi con la misma luminancia del cielo, una condición que sugiere humedad alta y atenuación atmosférica de la luz. Este detalle descansa sobre el uso de colores complementarios y variedad de temperaturas de color, en lugar de cambios de intensidad o valores contrastantes, para diferenciar el sol del cielo circundante. La pintura trata el valor de contraste simultáneo de los colores, situando tonos cálidos sobre otros opuestos que permiten resaltar, en la retina del espectador, unos tonos sobre otros. La vaporización será el elemento fundamental que invade la superficie, destacando esa humedad que invade la obra y que atenúa las tonalidades, es decir, el color se condiciona a esta atmósfera húmeda. El principal objetivo al que intentaba llegar Monet con esta obra es provocar una impresión en el espectador, por lo que nos encontramos con la importancia que se atribuye al espectador en el impresionismo. Las pinceladas son un tanto libres, rápidas y directas, reduciendo los elementos del cuandro a una simplificación aparente, tal y como se contempla en los reflejos del agua.

 
FUENTES DE INFORMACION:
http://www.google.com.ar/imgres?imgurl=http://4.bp.blogspot.com/_DNqrlURworY/TPok2UiWSYI/AAAAAAAAAh4/wZly2A-jI2Q/s1600/monet_impresion_sol_naciente.jpg&imgrefurl=http://nenufaresefervescentes.blogspot.com/2011/01/impresion-sol-naciente.html&usg=__WthrynYK9-lU6QvpPB-C1XzzbJQ=&h=261&w=340&sz=20&hl=es&start=1&zoom=1&itbs=1&tbnid=1G72JpjrF6isCM:&tbnh=91&tbnw=119&prev=/images%3Fq%3Dimpresion-%2Bsol%2Bnaciente%26hl%3Des%26sa%3DG%26gbv%3D2%26tbm%3Disch&ei=VdikTY6lI4rYgQe-_8S7CA

http://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Monet

http://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo

ROMANTICISMO: Goya, Delacroix, Friedrich, Géricault

   -  Surge a principios del Siglo XIX, en donde vemos que hay una reacción contra el espíritu racional e hipercrítico de la Ilustración y el Clasicismo.

   -   Favorece la supremacía del sentimiento, la tendencia nacionalista, el liberalismo, la originalidad y creatividad frente a lo tradicional y la imitación.   - Los pintores muestran una  temática de  paisajes, animales salvajes y domésticos, pintura costumbrista, la magia y la superstición. Acá  la figura pretende ser realista, no evitar mostrar el sufrimiento, la deformidad, la muerte.
     

- Predominó el óleo, pero también hubo un desarrollo de la acuarela, el dibujo y el grabado.
 

DELACROIX (autor):
Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix (Charenton-Saint-Maurice, Francia, 26 de abril de 1798 - París, 13 de agosto de 1863) fue un pintor francés.
Según varias hipótesis, Delacroix pudo ser hijo biológico del político Talleyrand, al que Delacroix se parece físicamente. Según esta teoría, su padre putativo habría quedado estéril a causa de una enfermedad. De todas formas, Eugène fue registrado como hijo de Charles Delacroix, político de profesión, Ministro de Exteriores del Directorio (Francia) y de Victorie Oeben perteneciente a una familia de ebanistas, artesanos y dibujantes. Es el cuarto y último hijo del matrimonio.
Charles Delacroix muere en 1805 siendo en ese momento prefecto de Gironda. La madre del pintor, Victoire, se instala en Paris en la casa de una de sus hijas, Henriette de Verninac. El joven Eugène acude al internado del Lycée Imperial (más tarde liceo Louis-le-Grand ). En 1814 muere su madre quedando huérfano pero bajo la protección de su hermana mayor Henriette.

Una de sus obras fue: La libertad guiando al pueblo. Cuadro de Eugène Delacroix pintado en 1830.

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Fuentes de informacion:
http://es.wikipedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Delacroix

REALISMO: Corot, Courbet, Millet, Rousseau

REALISMO: Corot, Courbet, Millet, Rousseau

           ·         Se desarrolló a partir de la mitad del S XIX, aproximadamente desde 1848.      
           ·         Máximo esplendor en Francia.
           ·         Busca representar el mundo del momento de manera verídica, objetiva e imparcial dejando de lado la idealización.

           ·         Se deja de lado los temas sobre naturales y mágicos siendo reemplazados por temas corrientes y la representación de escenas cotidianas.

           ·         Profundo sentido de la naturaleza, interpretándola desde sus frutos hasta el trabajo del hombre sobre ella.

           ·         Claridad en la paleta; poco trabajo de claroscuro.

                                      

COROT (autor)

Jean-Baptiste Camille Corot nació en París, en una casa desde la que se tenía una perspectiva del palacio de las Tullerías, el Sena y El Louvre. De familia acaudalada, Corot recibió una educación burguesa y realizó sus estudios secundarios en la ciudad gótica y normanda de Ruán, entre 1807 y 1812, tales estudios le marcaron definitivamente. Allí vivía con un amigo llamado Sennegon, lector de Jean-Jacques Rousseau y próximo a las ideas ilustradas, de quien adquirió el gusto por la naturaleza. Continuó su formación en Poissy y al concluirla, manifiesta su deseo de ser pintor, pero su padre se opuso a ello y lo empleó como aprendiz en el negocio familiar. Camille, sin embargo, dedicó casi toda su jornada laboral a dibujar, por lo que la familia terminó por aceptar su vocación y financió su formación artística.
Corot ingresó en el estudio de Achille-Etna Michallon, reputado paisajista, de quien aprendió a «observar con exactitud y ser verdadero al reproducir la naturaleza». Pero su temprana muerte le condujo en 1822 al estudio de Jean-Victor Bertin, otro paisajista que le aportó destreza en los principios de composición clásicos que caracterizan los paisajes sosegados y bien estructurados que pintó en Italia entre 1825 y 1828. Ejemplos de esta etapa son Forum (1826) y El puente de Narni (1827), ambos en el Museo del Louvre, París.

Por entonces, Corot muestra ya la frescura de ejecución y la fidelidad al motivo contemplado y esbozado al aire libre que lo convertirán en referencia inexcusable de los impresionistas, entonces en ciernes.

Una de sus obras fue:  el cuadro llamado Mujer con una perla. Museo del Louvre, París.
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